Daniel Schenker

Laila Garin: melhor atriz pela interpretação de Elis Regina (Foto: Cristina Granato)

Há alguns anos, o teatro sofreu com a diminuição da quantidade de prêmios. A situação, felizmente, foi revertida. Mais uma iniciativa, nesse sentido, desponta. Trata-se do Prêmio Reverência, concebido pela produtora Antonia Prado, destinado exclusivamente a espetáculos musicais, verticalizando trilha seguida pelo Prêmio Cesgranrio, composto por categorias voltadas para o gênero. A cerimônia de premiação da primeira edição, apresentada pela atriz Heloisa Pérrissé no Hotel Fasano, na noite da última segunda-feira, consagrou Elis, a Musical, dirigido por Dennis Carvalho, como melhor espetáculo (pelo júri) e nas categorias atriz, ator coadjuvante e som. Também bastante premiado, Os Saltimbancos Trapalhões, montagem da dupla Möeller/Botelho, ganhou nos quesitos espetáculo (voto popular), cenário e coreografia. O elogiado Samba Futebol Clube saiu com os prêmios de direção e ator (destinado ao elenco). Diferentemente de outros prêmios, as produções do Rio de Janeiro e de São Paulo foram avaliadas em conjunto. A crítica de teatro Barbara Heliodora, que morreu recentemente após uma extensa trajetória profissional em diversos veículos (Tribuna da Imprensa, Jornal do Brasil, O Globo – onde permaneceu durante 24 anos), foi homenageada. A atriz Patricia Bueno, sua filha, a representou na cerimônia.

Espetáculo (Júri) – Elis, a Musical (Aventura Entretenimento)

Espetáculo (Voto Popular) – Os Saltimbancos Trapalhões

Direção – Gustavo Gasparani (Samba Futebol Clube)

Atriz – Laila Garin (Elis, a Musical)

Ator – Elenco de Samba Futebol Clube

Atriz coadjuvante – Lilian Valeska (Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos)

Ator coadjuvante – Danilo Timm (Elis, a Musical)

Autor – Chico Buarque (Ópera do Malandro)

Cenário – Rogério Falcão (Os Saltimbancos Trapalhões)

Figurino – Fause Haten (A Madrinha Embriagada)

Iluminação – Luiz Paulo Nenen (O Grande Circo Místico)

Coreografia – Alonso Barros e Charles Möeller (Os Saltimbancos Trapalhões)

Som – Délia Fischer (Elis, a Musical)

Categoria Especial – Projeto Educacional Sesi – SP em Teatro Musical (A Madrinha Embriagada / O Homem de la Mancha)

Cena de Antologia do Remorso, em cartaz no Teatro Gonzaguinha (Foto: Rodrigo Daboit)

Flávia Prosdocimi assume inegável influência de Nelson Rodrigues nos seus contos sobre relacionamentos passionais que terminam em tragédias, provocando culpa nos envolvidos, “solucionada”, ocasionalmente, por meio do suicídio. Enfileirados ao longo de Antologia do Remorso, montagem que, depois da estreia no Sesc Tijuca, cumpre nova temporada no Teatro Gonzaguinha, os textos evocam de modo preciso o universo rodrigueno, lembrando o feito de Jô Bilac em Cachorro!, encenação da Cia. de Teatro Independente. Mesmo que as bases dos textos de Prosdocimi e Bilac sejam diferentes (basta dizer que os da autora de Antologia do Remorso têm origem literária), é como se ambos conseguissem imprimir a atmosfera de Nelson Rodrigues através de apagamento de suas próprias assinaturas – ocultação, porém, que não deve ser entendida como mera impessoalidade.

Mas se por um lado o caráter reconhecível do texto soa instigante (vale acrescentar que a decisão de manter a estrutura literária não resulta em artificialismo), por outro a concepção cênica de Antologia do Remorso parece algo repetitiva. Ainda que as opções sejam, em si, satisfatórias, uma sensação déjà vu atravessa o espetáculo de Daniel Belmonte, no que se refere ao investimento numa cena sintética, formada apenas por três cadeiras, com espaço reservado para guardar adereços (boa proposta de Julia Marina, responsável pela cenografia), à alternância entre cores neutras (preto e cinza) e vibrantes (vermelho) nos figurinos (também de Marina) e à trilha sonora (a cargo de Belmonte), de sabor nostálgico (incluindo de O Ébrio, de Vicente Celestino, a músicas entoadas por Roberto Carlos). A iluminação de Tiago e Fernanda Mantovani delimita planos distintos com habilidade.

Daniel Belmonte apresenta cena praticamente despida de elementos, concentrando, assim, a montagem nas interpretações dos atores. Elisabeth Monteiro, Gustavo Barros e Tiago D’Ávila transitam entre a narração e a vivência dos personagens, recorrendo a composições diversas que acentuam o traço de humor contido nos textos. Os atores demonstram um pouco mais de desenvoltura que a atriz, sem, contudo, que esse pequeno descompasso gere desequilíbrio no espetáculo. Assistindo a Antologia do Remorso, o espectador pode ter a impressão de percorrer terreno já palmilhado. Entretanto, a simpatia supera eventuais restrições.

Não Nem Nada, montagem da Cia. Empório Sortido, em cartaz no Teatro Poeirinha (Foto: Débora 70)

Não Nem Nada, novo trabalho da Cia. Empório Sortido em cartaz no Teatro Poeirinha, entrelaça retalhos de vidas preestabelecidas. No fragmentado texto de Vinicius Calderoni (que acumula a função de diretor), cada um parece seguir uma espécie de modelo institucionalizado, composto por etapas tradicionais. É como se os personagens pincelados na dramaturgia não se apropriassem de suas existências, no sentido de fazerem suas próprias escolhas, como se não fossem portadores de identidades. Assim, o texto aponta para trilha diversa da de Música para Cortar os Pulsos, montagem realizada a partir de peça de Rafael Gomes (que assinava a encenação e participa de Não Nem Nada como codiretor), e de Gotas D’Água sobre Pedras Escaldantes, de Rainer Werner Fassbinder (espetáculo dirigido por Gomes), ambos centrados em figuras mais personalizadas – no primeiro caso, voltadas para relatos de emoções juvenis e no segundo, para a escravidão amorosa.

De certo modo, os elementos que integram Não Nem Nada dialogam com o texto ao não incorrerem na padronização. Evidenciam proximidades, mas não semelhanças, tendo em vista a preservação de especificidades. Os atores (Geraldo Rodrigues, Mayara Constantino, Renata Gaspar e Victor Mendes) se multiplicam em vários personagens e trabalham visando a um somatório, a uma força conjunta. O grupo se impõe em detrimento de solos interpretativos, apesar de haver determinadas características particulares nas atuações. A iluminação de Wagner Antônio e Robson Lima individualiza as presenças dos atores, unificando-as, porém, durante a maior parte do tempo. Os figurinos de Valentina Soares insinuam, mas escapam à equivalência, por meio de detalhes que distinguem uma roupa da outra. A cenografia, dos já citados Valentina e Wagner, que consiste numa plataforma com aberturas para alçapões, também realça diferenças (as distintas elevações atrás).

Mais do que simplesmente radiografar temas da contemporaneidade, Não Nem Nada lança possibilidades de leitura que valorizam o resultado, distanciando-o do lugar-comum.

Cena de Killer Joe, montagem de Mario Bortolotto em cartaz no Teatro Poeira (Foto: Hudson Motta)

Mario Bortolotto parece ter encontrado em Killer Joe, texto de Tracy Letts, um universo bastante próximo do que costuma abordar em sua dramaturgia – o dos outsiders, dos que vivem à margem do sistema. Destituídos de princípios morais, de qualquer noção de ética, os personagens não hesitam em enveredar pela trilha da criminalidade para alcançar seus objetivos.

Diante da urgência em acertar uma dívida com traficantes, Chris decide contratar um matador, Joe, para assassinar a própria mãe com o intuito de receber o dinheiro do seguro. Além de Chris, o pai, Ansel, a madrasta, Sharla, e a irmã, Dottie, integram o núcleo de fracassados, todos comprometidos com a perpetuação de relações corrompidas. Letts descortina um contundente panorama da ruína sem propriamente oferecer ao espectador chaves de leitura diferenciadas.

Determinadas inverossimilhanças afetam, em certo grau, o resultado da montagem assinada por Bortolotto, em cartaz no Teatro Poeira. O cenário de Mariko e Seiji reproduz, por meio de realismo minucioso, um ambiente modesto, mas sugere dimensões maiores que as de um trailer, espaço onde, de acordo com informação do texto, os personagens (com exceção de Joe) moram. Em dado momento, Dottie prepara um jantar sem saber que será apenas para ela e Joe – ainda assim, a restrita porção de comida que coloca sobre a mesa não corresponde a de uma refeição inicialmente destinada aos demais.

O diretor acentua a crueza do material original, a tensão crescente no embate entre os personagens, medida que tende a sensibilizar o público. Os trabalhos dos atores (Aline Abovsky, Ana Hartmann, Carcarah, Fernão Lacerda, Gabriel Pinheiro), sintonizados com o mundo selvagem dos personagens, contribuem para esse efeito, apesar de eventuais concessões a maneirismos e composições algo artificiais (mais presentes em Carcarah). Há, porém, um padrão de correção nos vários elementos que constituem a encenação, a exemplo dos figurinos de Letícia Madeira, precisos no que diz respeito ao contexto social e ao perfil de cada personagem.

Cena de O Grande Circo Místico, que recebeu sete indicações ao Prêmio Reverência (Foto: Leo Aversa)

Novo prêmio de teatro, idealizado por Antonia Prado, o Reverência surge repleto de especificidades. Para começar, trata-se de uma iniciativa exclusivamente dedicada ao gênero musical. Além disso, contempla produções do Rio de Janeiro e de São Paulo. Há um corpo de jurados em cada cidade. Nessa primeira edição, o júri carioca é composto pela bailarina Ana Botafogo, pelo produtor, diretor e ator Luiz Carlos Miele, pelos críticos Macksen Luiz, Rafael Teixeira e Tânia Brandão, pelo diretor Paulo Afonso de Lima, pela coreógrafa Janice Botelho e pela atriz e cantora Mirna Rubin. Já em São Paulo, o corpo de jurados é formado pela cantora Cida Moreira, pelos jornalistas Ubiratan Brasil, Sergio Martins e Miguel Arcanjo Prado, pela produtora Claudia Hamra, pelo pesquisador Claudio Erlichman, pela diretora e pesquisadora Neyde Veneziano e pela coreógrafa Kika Sampaio.

Os júris trabalham simultaneamente num sistema de votação secreto e em duas etapas: uma parte do júri escolhe os indicados e a outra, os vencedores. É diferente da estrutura de funcionamento de outros prêmios, como o da Associação dos Produtores de Teatro do Rio de Janeiro (APTR) e o Questão de Crítica, que incluem espetáculos de outros estados, mas que tenham sido apresentados no Rio; e o Shell, que realiza duas premiações independentes para a produção carioca e paulistana. A proximidade com o Cesgranrio, que possui categorias especiais para o musical, se dá pela valorização do gênero.

Nessa edição, três espetáculos lideram as indicações: O Grande Circo Místico, Os Saltimbancos Trapalhões e Samba Futebol Clube concorrem, cada um, a sete prêmios. São seguidos por Elis, a Musical, em seis categorias, e Jesus Cristo Superstar e Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos, ambos com cinco indicações. Também foram lembrados O Homem de la Mancha, Chacrinha, o Musical, Constellation, o Musical, Vingança, o Musical, A Madrinha Embriagada, Cazuza – Pro Dia Nascer Feliz e Ópera do Malandro. A cerimônia de premiação ocorrerá no dia 24 de agosto, no Hotel Fasano, no Rio de Janeiro. A cada ano, a festa vai se dividir entre as duas cidades concorrentes.

Indicados:

ESPETÁCULO – Elis, a Musical (Aventura Entretenimento), O Grande Circo Místico (Maria Siman / Primeira Página Produções), O Homem de la Mancha (Atelier de Cultura), Os Saltimbancos Trapalhões (Möeller e Botelho), Samba Futebol Clube (Sábio Projetos)

DIREÇÃO – Dennis Carvalho (Elis, a Musical), Gustavo Gasparani (Samba Futebol Clube), João Fonseca (O Grande Circo Místico), Jorge Takla (Jesus Cristo Superstar)

ATOR PRINCIPAL – Alirio Netto (Jesus Cristo Superstar), Elenco Samba Futebol Clube, Emílio Dantas (Cazuza- Pro Dia Nascer Feliz), Leo Bahia (Chacrinha, o Musical)

ATRIZ PRINCIPAL – Adriana Garambone (Os Saltimbancos Trapalhões), Jullie (Constellation, o Musical), Laila Garin (Elis, a Musical), Soraya Ravenle (Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos)

ATOR COADJUVANTE – Danilo Timm (Elis, a Musical), Davi Guilhermme (Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos), Felipe Habib (O Grande Circo Místico), Wellington Nogueira (Jesus Cristo Superstar)

ATRIZ COADJUVANTE – Andrea Marquee (Vingança, o Musical), Andrea Veiga (Constellation, o Musical), Lilian Valeska (Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos), Stella Miranda (A Madrinha Embriagada)

AUTOR – Anna Toledo (Vingança, o Musical), Chico Buarque (Ópera do Malandro), Gustavo Gasparani (Samba Futebol Clube), Newton Moreno e Alessandro Toller (O Grande Circo Místico)

CENÁRIO – Gringo Cardia (Chacrinha, o Musical), Jorge Takla e Paulo Correa (Jesus Cristo Superstar), Nello Marrese (O Grande Circo Místico), Rogerio Falcão (Os Saltimbancos Trapalhões)

FIGURINO – Claudia Kopke (Chacrinha, o Musical), Claudio Tovar (O Homem de la Mancha), Fause Haten (A Madrinha Embriagada), Luciana Buarque (Os Saltimbancos Trapalhões)

ILUMINAÇÃO – Luiz Paulo Nenen (O Grande Circo Místico), Maneco Quinderé (Elis, a Musical), Paulo Cesar Medeiros (Os Saltimbancos Trapalhões), Paulo Cesar Medeiros (Samba Futebol Clube)

COREOGRAFIA – Alonso Barros e Charles Möeller (Os Saltimbancos Trapalhões), Kátia Barros (O Homem de la Mancha), Renato Vieira (Samba Futebol Clube), Tania Nardini (O Grande Circo Místico)

SOM – Bianca Tadini e Luciano Andreys (Versão – Jesus Cristo Superstar), Branco Ferreira (Design de Som – Samba Futebol Clube), Carlos Esteves (Design de Som – Chacrinha, o Musical), Délia Fischer (Direção Musical – Elis, a Musical)

CATEGORIA ESPECIAL – Elenco de Acrobatas (Os Saltimbancos Trapalhões), Jules Vandystadt (Arranjos vocais – Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos), Projeto Educacional Sesi-SP em Teatro Musical  (A Madrinha Embriagada / O Homem de la Mancha), Thiago Trajano (Arranjos musicais – Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 Minutos)

Ângela Câmara, Julio Adrião, Claudia Mele e José Karini em Beija-me como nos Livros (Foto: Dalton Valério)

Ivan Sugahara se debruça, em Beija-me como nos Livros, sobre um período extenso – do medieval ao romantismo alemão, passando pela efervescência da dramaturgia elisabetana e pelo brilho do célebre comediógrafo do classicismo francês – a partir da escolha das obras Tristão e Isolda, Romeu e Julieta, Don Juan e Werther. Paradoxalmente, a montagem da Cia. Os Dezequilibrados, em cartaz no Teatro I do Centro Cultural Banco do Brasil, parece algo estacionada, como se o diretor colocasse o público mais diante de um quadro estático do que de um panorama em movimento.

A conexão pela temática da experiência amorosa (Sugahara traça ligação entre esse espetáculo e anteriores do grupo), realçada por meio de cenas que chamam atenção para um espelhamento entre presente e passado, não levaria necessariamente à sensação de uniformidade, de equivalência entre os momentos. Há a dificuldade imposta pelo desafio de imprimir colorido ao gromelô (tarefa concentrada, em boa parte, na variação de sotaques). Mas a articulação de um texto ininteligível não é o único – e nem o maior – elemento que contribui para certo congelamento.

A repetição decorre de uma constante reedição dos mesmos procedimentos – principalmente, a preocupação de esclarecer, de localizar o espectador, de maneira didática, em relação aos planos distintos, através de cenas que frisam que as personagens clássicas saem de dentro dos livros. Em todo caso, Sugahara embaralha, de modo oportuno, as esferas (a do presente, no qual os atores se referem uns aos outros pelos próprios nomes, e a do passado, no qual portam os de personagens).

A inversão entre as instâncias temporais também desponta na iluminação de Renato Machado, mais nostálgica para o presente e mais fria para o passado, ao contrário do esperado. A trilha sonora, a cargo de Sugahara, evoca períodos históricos diversos, assim como os figurinos de Bruno Perlatto, que sobrepõe trajes de época a uma roupa-base. O cenário de André Sanches é formado por cortinas transparentes e praticáveis compostos por livros estilizados – uma boa ideia que não resulta cenicamente. Os atores (Ângela Câmara, José Karini, Claudia Mele e Julio Adrião) correspondem às exigências do projeto, revelando fluência no gromelô e nas marcações pelo espaço (direção de movimento de Duda Maia).

Além da continuidade temática, Beija-me como nos Livros traz à tona determinadas influências da companhia, como o cinema, destacado no emprego do rewind e do fast-forward em algumas passagens. Mais provocante na proposta que na realização, a montagem, porém, concretiza suas ambições em dados instantes – em especial, na bem resolvida cena final.

A dramaturga Nina Raine coloca o público diante de uma família conflituosa, marcada por relações desgastadas ao longo do tempo, na qual ninguém verdadeiramente se escuta. O pai, Christopher, frisa seu autoritarismo, a mãe, Beth, apenas esboça reações, e dois dos três filhos, Daniel e Ruth, vivem em guerra, se sentem deslocados dentro de casa, mas não conseguem alçar voos independentes. Há um acúmulo de vozes em Tribos, tanto no que se refere aos embates ruidosos entre os personagens, frequentes no decorrer da peça, quanto aos sons internos, que se tornam cada vez mais impositivos para Daniel.

Protagonista, Billy, o outro irmão, é surdo e denuncia a falta de interesse imperante nos arruinados vínculos afetivos e, particularmente, no que diz respeito à sua realidade específica. A entrada da namorada, Sylvia, desestabiliza a estrutura rígida dos relacionamentos. O texto tem alguns problemas. As diversas discussões enfileiradas durante a peça mais reiteram do que sinalizam novas informações sobre o quadro familiar. E a autora nem sempre resolve as transições (o rompimento de Billy com a família e dele com Sylvia) de modo orgânico.

O diretor Ulysses Cruz, constante parceiro artístico de Antonio Fagundes, incorre em excessos nas marcações frontais e na utilização do telão, justificada na projeção de legendas, mas gratuita como acompanhamento em muitas cenas. O cenário de Lu Bueno traz mobiliário pouco expressivo, pertinente, porém, ao universo da família retratada. Os figurinos de Alexandre Hercovitch seguem a mesma linha, realçando diferença em relação à namorada, personagem que vem de fora e provoca instabilidade e, num certo sentido, renovação. A iluminação de Domingos Quintiliano oscila entre a luz aberta nas cenas de atrito familiar e mais fechada nas passagens em que os personagens ganham maior individualização.

As atuações são proporcionais às possibilidades oferecidas pelos personagens. Maíra Dvorek fica restrita pela limitada função de Ruth na história. Eliete Cigaarini desempenha corretamente, mas sem maiores chances interpretativas, Beth, a mãe submissa. Guilherme Magon potencializa a crescente perda de controle de Daniel. Antonio Fagundes demonstra a habitual eficiência como Christopher, figura também destituída de desenho mais complexo. Bruno Fagundes apresenta minuciosa composição vocal como Billy, personagem à beira do extravasamento. Contudo, o grande trabalho é de Arieta Corrêa, especialmente precisa no momento em que dimensiona o sofrimento da surdez após a experiência da escuta.

Caranguejo Overdrive, encenação d’Aquela Cia. que ganhará nova temporada (Foto: Elisa Mendes)

Os espaços são definidos com precisão e, ao mesmo tempo, escapam a delimitações em Caranguejo Overdrive e Laio & Crísipo, novas montagens d’Aquela Cia. de Teatro, que comemora dez anos de atividade, apresentadas recentemente no Espaço Sesc, no Rio de Janeiro, com direção de Marco André Nunes e texto de Pedro Kosovski. Na primeira, a “ação” se passa no Rio de Janeiro, após a Guerra do Paraguai; na segunda, os personagens se encontram à beira de uma estrada, em lugar remoto.

Entretanto, Caranguejo Overdrive (que voltará à programação no dia 7 de agosto) mostra uma cidade em transformação que, porém, não altera realmente. Ao retornar da guerra, o soldado interpretado por Matheus Macena é informado de que o tempo trouxe mudanças. Mas, apesar de percebê-las numa esfera mais evidente, ele constata a continuidade de perversas estruturas de relação. Numa cena, a atriz Carolina Virgüez dá vazão a um jorro de palavras que dimensiona a perpetuação (folclórica) da corrupção na política nacional. Os acontecimentos não são os mesmos; a lógica de funcionamento, em todo caso, segue idêntica.

Em Laio & Crísipo, as vitrines de striptease localizadas numa estrada perdida podem remeter ao famoso bairro da Luz Vermelha, em Amsterdã. Há, na montagem, uma utilização consciente de clichês, a julgar pela cenografia (de Aurora dos Campos) e pelos figurinos (de Marcelo Marques), compostos por calças jeans justas e vestido vermelho com fenda. O elo com a contemporaneidade é realçado pelo tom coloquial, quase banal, do texto.

Contudo, as obras não se encerram em contextos determinados. Colocam o público diante de um concentrado de tempos. Em Caranguejo Overdrive, Marco André Nunes e Pedro Kosovski traçam instigante conexão entre o Rio de Janeiro da segunda metade do século XIX e o manguebeat. Já Laio e Crísipo contemplam, de fora, suas próprias jornadas, abarcando também o futuro ao anteciparem o que está por vir – a tragédia de Édipo, a partir do momento em que este, sem saber, matar seu pai, Laio.

Laio & Crísipo: apropriação da tragédia (Foto: João Júlio Melo)

Laio, Crísipo e Jocasta são abordados sem qualquer reverência. Se no passado longínquo permanecem como figuras emblemáticas, no presente surgem mergulhados no anonimato, destituídos de grandiosidade. Não há muita singularidade no triângulo amoroso que formam e o afastamento de um plano especial parece – pelo menos, em certa medida – intencional. Se existe algum problema nessa operação dramatúrgica, reside no fato de a tragédia soar aleatória, ao invés de vinculada à pesquisa do grupo, que montou anteriormente Edypop. Seja como for, ao priorizar Laio e Crísipo, Pedro Kosovski sinaliza o desejo de falar sobre a tragédia dos esquecidos, dos relegados a um destaque bem modesto. Em Caranguejo Overdrive, o protagonista, traumatizado pela guerra (um entre tantos outros), acaba engolido pelo sistema implacável. Os demais personagens despontam por meio de pinceladas, com contornos menos nítidos.

As construções dos dois espetáculos revelam percursos distintos. Em Caranguejo Overdrive, Marco André Nunes extrai de uma espacialidade básica imagens poderosas (como a do homem coberto de lama, imóvel) em cena potencializada por iluminação (de Renato Machado) algo opressiva. Em Laio & Crísipo, investe em partitura musical (direção musical de Felipe Storino, nos dois trabalhos) que contrasta com o arrebatamento, com o tom constantemente exacerbado, da montagem, que busca sintonia com o destemor da juventude, e iluminação (mais uma vez, Renato Machado) frenética, marcada por cores intensas.

Ainda que não seja um espetáculo que valorize particularmente as atuações, Caranguejo Overdrive surpreende com o naturalismo desconcertante de Carolina Virgüez (na passagem em que realiza uma explanação diante da plateia). Fica a impressão de que o sentido de improvisação faz parte da estruturação da interpretação. A construção, ocultada, não aparece para o espectador. Vale mencionar o domínio de Matheus Macena em relação à instabilidade do personagem assombrado pela guerra. Em Laio & Crísipo, Erom Cordeiro, Ravel Andrade e Carolina Ferman estabelecem provocante e catártico jogo de sedução, firmando, principalmente no que se refere ao primeiro ator, presença cuja expressividade transcende a contundência das palavras.

Crítica também publicada no site www.teatrojornal.com.br

Renato Carrera e Mauricio Lima em O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar: seis indicações (Foto: Caíque Cunha)

Encenações notadamente autorais, que resultam da continuidade de pesquisas realizadas por grupos, receberam o maior número de indicações entre os concorrentes do primeiro semestre ao Prêmio Questão de Crítica. Krum, montagem da Companhia Brasileira de Teatro, dirigida por Marcio Abreu, e O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar, do grupo Teatro de Extremos, conduzido por Fabiano de Freitas, concorrem em seis categorias cada. Caranguejo Overdrive, novo trabalho d’Aquela Cia., capitaneada por Marco André Nunes, ganhou cinco indicações. Além do quesito Elenco, especificidade do prêmio, nessa edição foi criada uma nova categoria: Direção de Movimento/ Preparação Corporal/ Coreografia.

Espetáculo – Caranguejo Overdrive; Krum; O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar

Direção – Fabiano de Freitas por O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar; Marcio Abreu por Krum; Marco André Nunes por Caranguejo Overdrive

Elenco – Cris Larin, Danilo Grangheia, Edson Rocha, Grace Passô, Inez Viana, Ranieri Gonzalez, Renata Sorrah, Rodrigo Bolzan, e Rodrigo Ferrarini por Krum

Ator – Guilherme Miranda por Otto Lara Resende ou Bonitinha mas Ordinária; Marcelo Olinto por Sexo Neutro; Renato Carrera por O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar

Atriz – Carolina Virgüez por Caranguejo Overdrive; Elisa Pinheiro por Otto Lara Resende ou Bonitinha mas Ordinária

Dramaturgia – João Cícero por Sexo Neutro; Pedro Kosovski por Caranguejo Overdrive

Cenografia – Daniela Thomas e Camila Schmidt por Hora Amarela; Mina Quental por Infância, Tiros e Plumas; Pedro Paulo de Souza por O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar

Figurino – Ana Teixeira e Stephane Brodt por Salina – A Última Vértebra; Antonio Guedes por O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar

Iluminação – Alessandro Boschini por Estamos indo Embora…; Nadja Naira por Krum; Renato Machado por O Homossexual ou a Dificuldade de se Expressar

Direção musical/Trilha sonora original – Felipe Storino pela direção musical e Mauricio Chiari pela trilha sonora original de Caranguejo Overdrive; Felipe Storino por Krum; Luís Filipe Lima pela direção musical e Nei Lopes trilha sonora original de Bilac vê Estrelas

Direção de movimento/Preparação corporal/Coreografia – Marcia Rubin por Krum; Tatiana Tibúrcio por Salina – A Última Vértebra

Especial – Bia Radunsky pela curadoria de teatro e dança do Espaço Sesc de 2002 a 2015; Centro Cultural Banco do Brasil pela realização, Hélio Eichbauer pela curadoria da exposição e Sérgio de Carvalho pela curadoria da Mostra Paralela da mostra multimídia Augusto Boal; Christiane Jatahy pela direção da ópera Fidelio

Graciana Valladares em Salina – A Última Vértebra, encenação da Amok (Foto: Divulgação)

Salina- A Última Vértebra, espetáculo da companhia Amok Teatro para o texto de Laurent Gaudé, recebeu o maior número de indicações ao Prêmio Shell entre as encenações apresentadas no primeiro semestre de 2015. Krum, montagem de Marcio Abreu para o texto de Hanoch Levin, e Madame Bovary, adaptação de Bruno Lara Resende para o romance de Gustave Flaubert, ganharam, cada uma, indicações em duas categorias. Em um quesito aparecem Autobiografia Autorizada, Família Lyons, Hora Amarela, Eugênia, Meu Saba, Bilac vê Estrelas, Contra o Vento – Um Musicaos e O Processo. O Prêmio Shell – cujo júri atual é formado por Ana Achcar, Bia Junqueira, João Madeira, Macksen Luiz e Moacir Chaves – possui particularidades: não há o quesito melhor espetáculo; e a categoria especial foi substituída por Inovação.

 Indicados:

 AUTOR – Paulo Betti (Autobiografia Autorizada)

 DIREÇÃO – Márcio Abreu (Krum); Ana Teixeira e Stephane Brodt (Salina – A Última Vértebra)

 ATOR – Danilo Grangheira (Krum); Joelson Medeiros (Madame Bovary)

 ATRIZ – Tatiana Tibúrcio (Salina – A Última Vértebra); Suzana Faini (Família Lyons)

 CENOGRAFIA – Fernando Marés (Krum); Daniela Thomas e Camila Schmidt (Hora Amarela)

 FIGURINO – Ana Teixeira e Stéphane Brodt (Salina – A Última Vértebra); Samuel Abrantes (Eugênia)

 ILUMINAÇÃO – Aurélio de Simoni (Meu Saba); Renato Machado (Madame Bovary)

 MÚSICA – Ney Lopes (pela trilha sonora de Bilac vê Estrelas); Felipe Vidal e Luciano Moreira (Contra o Vento – Um Musicaos)

 INOVAÇÃO – Teatro Voador Não Identificado (pela proposição de dispositivo cênico na montagem de O Processo, que revela o exercício dos atores em criação, além de atualizar a história de Kafka); Companhia Amok Teatro (pelo processo de seleção e treinamento do elenco para o espetáculo Salina – A Última Vértebra).