abril 2013

FESTIVAL DE CURITIBA – O Espelho evidencia um movimento também empreendido por outros projetos teatrais recentes: a conjugação entre suspensão da hierarquia entre atores e espectadores e a fusão entre realidade e ficção. A determinação em borrar essas fronteiras se constitui como principal elemento atrativo desse trabalho do grupo Opovoempé, que pode ser relacionado a experiências como a de Nada, dos Irmãos Guimarães, e O que Você Gostaria que Ficasse, projeto de Miguel Thiré vinculado ao Brecha Coletivo, só para citar dois exemplos. Entretanto, até que ponto cabe investir numa equivalência entre ator e espectador, uma vez que ambos ocupam lugares necessariamente diversos?

Cristiane Zuan Esteves, responsável pela concepção, direção e dramaturgia (além de integrar o elenco), propõe a realização de O Espelho num jardim (em Curitiba, o espaço escolhido foi o Bosque do Papa). Os espectadores são convidados a dividir uma mesa de lanche junto com o elenco. Não existe, portanto, separação entre o espaço destinado ao ator e ao público. Uma atmosfera nostálgica, instalada pela seleção das músicas e pela louça disposta sobre a mesa, emoldura depoimentos das atrizes sobre histórias familiares, com destaque para doces ecos da infância. Apesar da propriedade com que evocam as vivências, não há garantia de se tratarem de experiências reais. Mas, mesmo se forem, a lembrança do fato real passa necessariamente por um filtro ficcional no instante em que é trazida à tona.

A articulação entre passado e presente é feita por meio do pedido para que cada espectador escreva uma pergunta referente àquele dia da apresentação. O objetivo não é só captar o instante imediato, mas procurar perceber em perspectiva o teor das questões de acordo com a faixa etária de quem as formulou. As atrizes dividem ainda o público em duplas, levadas a partilhar gravações de informais depoimentos de crianças e idosos – não por acaso, extremos temporais – sobre a descoberta do mundo e o contexto no qual se percebem inseridos. As reverberações desses registros em cada um não são relatadas aos demais espectadores e nem os autores das perguntas, revelados. Há, nesse sentido, uma preocupação em preservar a esfera privada, sem a ânsia de impor uma (provavelmente limitada) troca de impressões. O Espelho se une a outros dois experimentos cênicos – A Festa (mostrado no Fringe do Festival de Curitiba) e O Farol.

 O crítico viajou a convite da organização do festival.

FESTIVAL DE CURITIBA – A presença de encenações internacionais aumentou nessa edição do Festival de Curitiba. Na Mostra Oficial há In the Dust (Escócia), Kiss & Cry (Bélgica) e o elogiado Ukchuk-ga (Coreia do Sul), além de Homem Vertente, montagem brasileira do espetáculo da companhia argentina Ojalá. No Fringe marca presença a encenação de 1325, do grupo Peripécia Teatro, sediado em Portugal.

Livremente inspirada na publicação 1325 Mujeres Tejiendo la Paz, organizada por Manuela Mesa Peinado, a encenação destaca a importância de mulheres em contextos adversos, tomados pela exclusão e pela dizimação de povos. Trata-se da espinha dorsal do trabalho que, estruturado em quadros, traz à tona os contextos do Gueto de Varsóvia, do conflito Israel-Palestina, das mazelas que assolam a África, da Guerra das Malvinas, da via-crúcis das Mães da Praça de Maio.

Essa costura dramatúrgica (a cargo de José Carlos Garcia, também diretor) carece, em certa medida, de sutileza. Alguns sentidos – como a determinação de uma personagem em não usar lente de grau para não enxergar o estado do mundo e a capacidade geral de superar as tragédias e seguir em frente – são excessivamente realçados. Os atores Angel Fragua, Noelia Domínguez e Sérgio Agostinho (interpretando, na maior parte do tempo, personagens femininas) evidenciam registro expansivo, buscando expressar reações a cada momento, característica ainda mais marcante na atriz do que nos atores.

Principais elementos cenográficos, as roupas simbolizam as ausências dos que foram exterminados em regimes autoritários. Existe notada (e bem-vinda) preocupação do diretor em ressaltar a teatralidade da proposta através da resignificação de objetos do cenário, afastados de seus sentidos literais. Assim, uma fita elástica é usada para sugerir variados espaços, blocos de roupa formam o desenho do continente africano e duas luvas simbolizam o reencontro entre mãe e filha.

 O crítico viajou a convite da organização do festival

 FESTIVAL DE CURITIBA – Ao longo do tempo, João Falcão vem conjugando as funções de dramaturgo e diretor, acúmulo perpetuado agora no musical Gonzagão – A Lenda, concebido para homenagear Luiz Gonzaga no centenário de seu nascimento. A qualidade das músicas, a adesão do elenco e a vibração do todo credenciam esse espetáculo brasileiro por excelência que sublinha certas opções no que se refere à configuração da cena.

Uma das características mais evidentes na encenação de João Falcão é o palco limpo, que permanece assim durante boa parte da apresentação. Os atores entram trazendo os elementos referentes a cada cena e os levam embora ao final da passagem (cenografia e adereços a cargo de Sergio Marimba). Os músicos (direção musical de Alexandre Elias) emolduram esse espaço “vazio” por onde transitam os atores trajados em figurinos (de Kika Lopes) sempre criativos, que surpreendem sem apelar para o esfuziante. As tonalidades neutras imperam – com exceção de poucos momentos, como o do passional reencontro entre Gonzagão e Gonzaguinha. Contrastando com essa neutralidade, a iluminação (de Renato Machado) preenche a amplidão do palco com cores fortes (vermelho) –  ou conferindo intensidade a tons frios (azul) – sobrepostas a uma cortina rendada ao fundo.

Diante de um painel tão inventivo, Gonzagão confirma que a dramaturgia permanece como um terreno delicado no campo do musical, apesar, claro, do caráter generalizante dessa afirmação. Sem a intenção de fornecer uma biografia convencional do rei do baião (o que, em princípio, é uma disposição louvável), João Falcão investe num texto que corre bastante acelerado na sua primeira meia hora, sem fornecer ao espectador indicações precisas e, ao mesmo tempo, sem subvertê-las. A partir do momento em que a situação-base da companhia de teatro é inserida, o texto, sem chegar a se tornar exatamente didático, fica um pouco mais “palpável”, especialmente devido à “subtrama” da atriz disputada por todos os integrantes do grupo.

Mas a fragilidade dramatúrgica é – pelo menos, em parte – compensada pela entrega dos atores, que revelam domínio técnico comprovado no emprego de registros vocais destoantes (graves e agudos), colocados a serviço do humor. Determinadas cenas de conjunto, como aquelas em que músicas como Sabiá e Tem Pouca Diferença são entoadas, resultam bastante satisfatórias. Gonzagão – A Lenda surge como um bem-sucedido musical brasileiro numa época em que muitas montagens do gênero priorizam a busca por equivalência em relação ao padrão americano. O risco, nesse caso, é o do trabalho se tornar impessoal, engessado, armadilha da qual escapa o espetáculo de João Falcão.

 Texto originalmente publicado no site Questão de Crítica

 O crítico viajou a convite da organização do festival